Одне з найбільш знаменитих творів Йоганна Себастьяна Баха називається “Добре темперований клавір”, або скорочено “ДТК”. Як слід розуміти цей заголовок? Він вказує на те, що всі твори в циклі написані для клавіру, має темперований стрій, тобто той, який характерний для більшості сучасних музичних інструментів. У чому його особливості, і як він з’явився? Про це та багато іншого ви дізнаєтеся зі статті.
Загальні відомості
Темперований лад передбачає, що кожна октава (відстань між однойменними нотами різної висоти) поділяється на певну кількість рівних інтервалів. У більшості випадків використання такого строяз звуки розташовані по півтони. Якщо уявити клавіатуру фортепіано, то саме такого інтервалу дорівнює відстань між кожною сусідньою клавішею. Те ж саме можна сказати про будь-який інший клавішний, духовий чи інший інструмент.
Наприклад, на гітарі між сусідніми нотами, які перебувають на одній струні, поміщається інтервал мала секунда, який дорівнює половині тони.
Значення темперованого ладу
Назва даної системи походить від латинського кореня, що позначає вимір. Отже, це досягнення можна приписати не тільки теорії музики, але і математики. І дійсно, спроби розробки такого ладу здавна робилися людьми, які були професіоналами в цих двох областях знання, а також чудово знали інші науки, наприклад, фізику. І це не дивно, оскільки в даному випадку людина має справу з коливаннями повітря, які і виробляють звуки.
Математичні обчислення допомагали дослідникам таким чином систематизувати звуки, що входять до складу октави, щоб полегшити музикантам деякі виконавські завдання. Наприклад, введення темперованого ладу музики дозволило значно спростити транспортування творів. Тепер гра однієї і тієї ж композиції в різних тональностях не вимагає повторного вивчення. Якщо людина знає основи теорії музики та гармонії, то він зможе зіграти твір у будь-якій тональності. Багаторічний досвід дозволяє робити це достатньо швидко.
Характеристики
Темперований лад виявився корисним в першу чергу при виконанні вокальної музики. З його введенням співаки отримали можливість виконувати твори в найбільш зручній для них тональності. А значить, вокалісти позбавилися від необхідності перенапружувати свої голосові зв’язки, беручи занадто низькі або високі ноти, нехарактерні для їх діапазону. Звичайно ж, таке вільне поводження з музичним матеріалом вітається далеко не у всіх жанрах. У першу чергу це стосується класичної музики. Наприклад, виконання оперних арій у інших, не оригінальних тональностях, вважається неприйнятним.
Також неприпустимо транспортування симфоній, класичних інструментальних концертів, сонат, сюїт і багатьох творів інших жанрів. На відміну від естрадної музики, тональність тут має набагато більше значення. Історія знає приклади наявності у деяких композиторів “кольорового” музичного слуху. Тобто для цих діячів мистецтв кожна тональність асоціювалася з певним відтінком. Таким сприйняттям музики відрізнялися Скрябін і Римський-Корсаков.
Інші ж класичні композитори, хоча і не мали такого “кольорового” сприйняття звуку, але все ж розрізняли тональності за іншими характеристиками (теплоті, насиченості і так далі). Транспортування їх творів довільні тональності є неприпустимим, оскільки спотворює задум автора.
Незамінний помічник
Однак і такі композитори не заперечували значення рівномірно-темперованого ладу для розвитку музичного мистецтва. Вільний перехід з однієї тональності в іншу має не тільки явну “практичну” користь, оскільки дозволяє виконавцям забезпечити зручність при грі і співі. При правильному підборі тональності голос вокаліста звучить набагато яскравіше і природніше, ніж коли він усіма силами намагається виконати нехарактерні для його діапазону (низькі або високі) ноти.
Темперований стрій (а значить, і вільна зміна тональностей) забезпечує можливість писати твори з великою кількістю тональних відхилення і модуляцій. А це, в свою чергу, є яскравим образотворчим прийомом, який широко застосовувався в класичній музиці. З настанням епохи естрадного мистецтва застосування модуляцій набуло ще більшого значення. Так, у джазових імпровізаціях часто використовуються гармонічні послідовності, що переходять з однієї тональності в іншу. Тому темперований стрій можна назвати одним з двигунів прогресу в музиці.
Історія
Теоретичні дослідження в області музики почалися в глибоку давнину. Одним з перших вчених, хто почав приділяти увагу строю, був давньогрецький математик Піфагор. Однак ще до появи на світ цієї видатної людини існувало безліч музичних інструментів з вже оформившимся ладом. Люди, які грали на них, часто не мали ні найменшого уявлення ні про фізичні властивості звуку, ні про основи теорії музики. Своєму мистецтву вони вчилися, осягаючи багато його премудрості інтуїтивно.
Тобто в той далекий час люди методом проб і помилок засвоювали акустичні закони, які лежать в основі музичної теорії і гармонії. А ці науки, як відомо, не поступаються у своїй складності вищої математики. Один мислитель згодом сказав, що музиканти і композитори несвідомо займаються вирішенням складних фізичних та математичних задач. Першим серйозним дослідником цих питань був вже згаданий Піфагор.
Піфагорів лад
Давньогрецький учений проводив досліди зі звучанням найпростішого музичного інструменту, який складався з дерев’яного корпусу і натягнутого на нього джерела звучання – однієї єдиної струни.
Він винайшов власний лад, який отримав назву Піфагорова. Звуки в ньому були розташовані по чистим квінтах. Використання такої системи дозволило у деяких інструментів зменшити кількість струн. До цього всі інструменти були влаштовані на зразок арфи, тобто кожна їх струна могла видавати тільки одну ноту. Затискання пальцями не застосовувалося. Однак з введенням Піфагорова ладу музиканти раніше не могли змінювати тональність ні всього твору, ні якої-небудь його частини. Така система налаштування застосовувалася аж до середньовіччя. Тоді органи для виконання церковної музики були налаштовані за давньогрецьким зразком. У цієї системи, крім перерахованих недоліків, були ще два мінуси. По-перше, звукоряд в них не був замкнутий. Це означає, що почавши грати гаму від до, не можна було прийти в ту ж ноту, але більш високої октави.
І по-друге, інструменти, налаштовані таким чином, завжди мали кілька так званих “вовчих” звуків, тобто клавіш або ладів, чиє звучання вибивало вісь з тональності, в якій був налаштований весь інструмент.
Музика до епохи Бароко
Музиканти, композитори, а також майстри, які займалися виготовленням інструментів, в середні століття були зайняті постійним пошуком ідеального ладу. Артисти бродячих театрів славилися своєю віртуозною грою на лютнях. Під акомпанемент даного інструменту виконували жартівливі куплети на злободенні теми. У пошуках відповідної тональності, що відповідає діапазону голосу, артистам доводилося перебудовувати свій інструмент, а це було пов’язано не тільки з ослабленням або посиленням натягу струн, як сьогодні.
Така процедура вимагала перестановки ладів. Вони не були міцно прикріпленими до грифу, як в сучасних гітарах. Тоді їх замінювали джгути, зроблені зі шкіри тварин, і вільно перемещавшиеся по грифу. Так, при перебудові інструменту доводилося пересувати і ці лади. Не випадково в ті часи жартували, що лютнисты витрачають третину свого життя на налаштування інструменту.
Крім того, в піфагорійської системі не існувало поняття энгармонически рівних звуків. Тобто нота “фа дієз” звучала тоді не так, як “соль бемоль”.
Різні варіанти
Система налаштування, наближена до сучасної, з’явилася за часів Йоганна Себастьяна Баха.
Вона називалася “добре темперований стрій”. У чому полягала її суть? Як вже було сказано, до цього не було энгармонически рівних звуків. Тобто якщо б тоді існувало сучасне фортепіано, то між клавішами “до” і “ре” повинні були б знаходитися дві чорних: “до дієз” і “ре бемоль”, замість сьогоднішньої одного, виконує обидві ці функції.
За часів Йоганна Себастьяна Баха отримала широку популярність музика в тональностях з великою кількістю дієзів і бемоль. Композитори почали використовувати хитрий хід – для зручності виконання вони нерідко робили енгармонічні заміни. Наприклад, замість “соль бемоль” вони стали писати в партитурах “фа дієз”. Але ці ноти не були в той час рівними один одному. Тобто їх звучання, нехай не сильно, але відрізнялося. Тому прослуховування такої музики викликало у людей відчуття легкого дискомфорту.
Неточно, але зручно
Але незабаром був знайдений вихід з даного становища. Дві ноти, що знаходяться між сусідніми ступенями звукоряду, замінили однієї, яка знаходилася між ними. Цей звук був лише приблизно дорівнює двом цим нотах, а точніше, він був їх усередненим значенням. Але, тим не менш, таке нововведення відкрило перед композиторами і виконавцями можливості.
Натуральний устрій та темперований
Натуральним називається такий лад, який містить в собі тільки основні ступені звукоряду. Співвідношення між ними такі: два тони – півтон – три тони – півтон. За такою схемою налаштовуються найпростіші народні інструменти: сопілки, дудочки і так далі.
На кожному з них можна грати тільки в двох тональностях – мажорі та мінорі.
Поява нового ладу
У 18 столітті кілька теоретиків музики запропонували ввести у вжиток новий лад. У ньому октава ділилася на 12 нот, які відстають один від одного рівно на півтону. Така система отримала назву одно темперованого ладу. У неї було багато прихильників, але знайшлося і достатня кількість суворих критиків. Роль творця темперованого ладу приписується відразу кільком людям. Найбільш часто в цій зв’язку звучать імена Генріха Граматеуса, Вінченцо Галілея і Марена Марсенна.
Протиріччя
На питання “Який лад називається рівномірно темперований?” досить повним може вважатися наступний відповідь: “Це лад, де октава містить дванадцять нот, розташованих по півтони”. Деякі критики такого підходу до налаштування інструментів говорили, що він не є ідеально точним, і натуральний лад звучить набагато чистіше. Саме в такому ладі співають і грають музиканти-аматори з народу. У спогадах письменника, композитора й теоретика музики Володимира Одоєвського можна знайти розповідь, як одного разу він запросив до себе в гості одного такого співака. Коли Одоєвський почав акомпанувати гостю, то почув, що темперований стрій фортепіано не збігається з нотами, які співав цей чоловік.
Після того випадку композитор налаштував свій рояль іншим чином. Його звучання наблизилося до натурального.
Висновок
Сталося це в дев’ятнадцятому столітті. Але до цих пір не замовкають суперечки між прихильниками і супротивниками рівномірно темперованого строю в музиці. Перші з них захищають можливість вільного переходу в різні тональності, а другі виступають за чистоту настройки інструменту. Існують також і інші, більш екзотичні варіанти настройки. В якості прикладу можна назвати микротоновую гітару. Але переважна кількість інструментів у світі має все-таки рівномірно темперований стрій.
